Les indications de scènes tirées de livrets d'opéra figurent rarement parmi les priorités des équipes de mise en scène du XXIe siècle. Ils semblent plutôt restreindre la liberté d'interprétation qui mène aux vues contemporaines. Mais ils peuvent aussi inspirer. Et comment. Nicola Hümpel et son ingénieux scénographe Oliver Proske le prouvent de manière délicieuse au Staatsoper de Hanovre. L'enlèvement final de Rosina de la maison du docteur Bartolo via "la scala del balcone" ne fonctionne vraiment que lorsque les deux existent réellement. C'est déjà l'intention de la première scène de Cesare Sterbini, qui s'inspire à son tour de la comédie de Beaumarchais : Sur une piazza de Séville, à l'aube, nous apercevrons la maison de Bartolo - avec un balcon "praticable", c'est-à-dire praticable à pied. Le décor de "Il barbiere di Siviglia" de Rossini a ressemblé à cela ou à quelque chose de similaire d'innombrables fois. La réalisatrice et son équipe le reconnaissent, mais évitent tout risque de compréhension poussiéreuse de la tradition dans leur réalisation concrète. Pour l'écoute et l'espionnage constants et astucieux, les intrigues opportunistes et les coups bas des personnages, il faut une vue érotique par le trou de la serrure, des changements rapides de perspective - en bref, une mécanique comique parfaite, qui doit sembler improvisée, mais qui doit être parfaitement synchronisée. Grâce à l'utilisation de la scène tournante, Rosina, Almaviva, Figaro et Bartolo tournent constamment les uns autour des autres et simultanément autour de leur propre axe. L'égocentrisme, le narcissisme, la recherche d'avantages de tous les protagonistes sont révélés de manière ludique et facile ; le désir et les intérêts propres du personnage ne doivent jamais être remis en question de manière évaluative. L'esprit de la commedia dell'arte se déploie avec une affection fondamentale pour les sensibilités et les limites de tous les personnages. Alors que Herbert Fritsch aime utiliser l'exubérance maximisée par le tempo dans Offenbach ou Mozart, Nicola Hümpel écoute de manière beaucoup plus sensible le pouls de la musique dans Rossini. Le vocabulaire gestuel de chaque personnage découle précisément de la physicalité très personnelle de chaque chanteur-acteur. Sunnyboy Dladla, dans le rôle d'Almaviva, se languit dans sa cavatine "Ecco, ridente in cielo" avec des gestes d'opéra exagérés. Le chanteur utilise son tenore di grazia avec une aisance délicieuse, avec le dosage idéal de douceur fondante. Hubert Zapiór donne un Figaro coiffeur gay qui ne tombe jamais dans le cliché bon marché, mais qui, dans son agilité spirituelle et la vantardise de ses connaissances, surjoue ses propres complexes d'outsider qui le tourmentent en tant que factotum dans une société académique. Son baryton cavalier a de la hauteur, de l'attaque et de l'éloquence. Au-delà de toute caricature de bas bouffon, Frank Schneiders donne à son antagoniste, le docteur Bartolo, les traits d'un homme brisé dans l'amertume à un âge précoce, qui passe maintenant sa déception sur la Rosina qui lui a été confiée avec une méchanceté envahissante. Grâce à l'autodétermination de la véritable Commedia-Capricciosa Nina van Essen, une vamp à l'agilité de soprano expansive, ce Bartolo n'a cependant guère de chance dès le début. La sœur émancipée de Figaro, à l'esprit rusé, qui lève aussi de temps en temps le majeur interdit, aurait même presque entamé une liaison avec le barbier, s'il n'était pas si clairement de l'autre côté. En général, toutes les variantes possibles et impossibles de la construction de couples sont jouées ici avec délectation. Les moyens centraux du concept dramaturgique, qui trouve un équilibre subtil entre l'ensemble racé et la poésie des arias, sont les gros plans vidéo en direct des personnages projetés sur le mur du fond du Palazzo, qui révèlent au public le moindre clignement d'œil. Le niveau cinématographique aiguise la précision chaplinesque. Il met en lumière les émotions les plus intimes, révélant dans une proximité inhabituelle ce qui, autrement, nous resterait caché sur la grande scène de l'opéra. Alors que dans le premier acte, nous nous retrouvons souvent à n'avoir d'yeux que pour l'agrandissement vidéo, les scènes d'ensemble du second nous invitent à utiliser la valeur ajoutée des deux perspectives. Peut-être que le renoncement temporaire au doublage médian, surtout dans le sens de la vérité émotionnelle ininterrompue des arias, renforcerait encore plus cette soirée fantastique. Le plus beau compliment que l'on puisse faire à cette production : La scène inspire la musique ; nous entendons à nouveau, de manière fraîche et immédiate, à quel point cette magnifique partition est inspirée et imprégnée d'humour. Eduardo Strausser dirige un Rossini bondissant et accentué, enrichi de pianissimi galants. Au pianoforte, Francesco Greco fait jaillir des étincelles des récitatifs précisément construits avec une liberté d'improvisation. Super !